La chitarrista norvegese Hedvig Mollestad ha reagito alla vittoria del premio “giovane talento jazz dell’anno” del 2009 formando un power trio che da allora ha ampliato i confini del jazz e del prog rock. Ha inoltre suonato con altre band, pubblicato materiale da solista, composto per la Trondheim Jazz Orchestra e fatto tournée in tutto il mondo. Nell’intervista a Planet Guitar rivela il suo amore per i King Crimson, l’emozione di suonare dal vivo e il ruolo dell’orrore nella vita…
Planet Guitar: Avete appena pubblicato Weejuns, che è stato descritto come “un’eco di Miles Davis, Soft Machine e King Crimson“; ti piace questa descrizione?
Hedvig Mollestad: Sì – non so se sia vera, ma almeno descrive le nostre fonti di ispirazione. Io adoro Miles Davis, ma lui ha coperto una gamma ampia di generi, a partire dagli anni Quaranta, passando per il cool, gli anni Sessanta con questa meravigliosa roba lirica e poi gli anni Settanta in cui ha cambiato tutto per poi fare cose più smielate. Quindi, dicendo “Miles Davis”, si può mettere un sacco di roba in questo contenitore! Penso che sia un genio e che abbia qualcosa che cerchiamo di mantenere nella nostra musica. Ma è più un’idea che un suono. Anche i King Crimson hanno avuto molte epoche diverse; hanno strutture e libertà, e anche noi.
PG: Tornando alle tue radici, ho letto che tua madre aveva un approccio ludico alla musica mentre tuo padre era più duro: queste due forze contraddittorie sono ancora presenti nella tua musica?
HM: È una descrizione molto divertente, ma esagerata, perché mio padre non era molto severo; aveva semplicemente un profondo rispetto per i musicisti e non era in grado di ascoltarla come musica di sottofondo. E anche se ha suonato con Jan Garbarek, non ha mai avuto una carriera professionale, almeno non dopo la mia nascita. Mia madre invece usava la musica in modo molto più emotivo. È molto stimolante, naturalmente, dopo che hanno assistito a uno dei miei spettacoli, perché hanno reazioni molto diverse: mia madre mi abbraccia e le scendono le lacrime…
PG: Da adolescente, ascoltavi Hendrix, ma anche John Coltrane: hai avuto qualche conflitto interiore sulla tua direzione musicale?
HM: No, perché sarebbe come avere un conflitto con ciò che si ascolta. All’inizio mi vedevo come chitarrista jazz e ascoltavo Jim Hall, Lage Lund e la musica classica. Ho ascoltato Ralph Towner insieme a Nirvana, Pearl Jam, AC/DC e Led Zeppelin.
PG: Hai incontrato Ellen Brekken e Ivar Loe Bjørnstad all’Accademia norvegese di musica; è stato un momento musicale “Wow!” per te?
HM: Ho avuto un momento “Wow” quando ho sentito Ivar per la prima volta, mentre eseguiva Jon Eberson per i suoi esami. Dopo aver ricevuto il premio nel 2009, ero certa di voler formare un trio con lui ed Ellen. Sono persone incredibili e bellissime. Voglio vedere fin dove possiamo arrivare. Quindi questo è un momento di “Wow” continuo! [ride]
PG: Sei coinvolta in molti progetti, ma ho ragione di pensare che tornerai sempre a lavorare con questo trio?
HM: Sì, sono come una famiglia. È un ensemble molto omogeneo sotto molti punti di vista.
PG: Mi piace la tua descrizione di loro: “Cerchiamo di essere dinamici, liberi e divertenti, ma anche belli, brutti e onesti“.
HM: [Ride] Sì, ci proviamo molto! Bisogna avere a cuore le cose che si ottengono quando si suona insieme da così tanto tempo, ma anche essere consapevoli che una struttura consolidata comporta vantaggi e svantaggi. Dobbiamo andare avanti quando facciamo nuova musica.
PG: A volte suonate davanti a un pubblico che chiacchiera, altre volte in silenzio: come influisce questo sulla vostra musica?
HM: Per lo più sono così concentrata su ciò che accade sul palco che non percepisco affatto le chiacchiere. Tuttavia può essere fastidioso, soprattutto se si tratta di una ballad e la gente beve e non partecipa ai momenti. Il pubblico può davvero cambiare un concerto. Quanti millisecondi precedono l’inizio dell’applauso possono dire tutto sulla loro attenzione. È bello quando le persone ascoltano, ma non devono essere sempre in silenzio per farlo.
PG: Passando ai temi dei vostri album, Ekhidna (2020), ad esempio, si ispira ai mostri mitologici. Ci racconti la storia che c’è dietro?
HM: L’ispirazione arriva insieme alla musica. Ho dovuto chiedermi: “Che cosa sto facendo?”. Ekhidna rappresenta in un certo senso la nostra storia; [un essere] che era metà donna e metà serpente. E ho pensato che fosse una dualità perfetta per descrivere i problemi che viviamo oggi con “l’uomo contro la natura”. [ride]
PG: The Tempest Revisited, il tuo album successivo, è stato influenzato dalle tempeste della tua città natale…
HM: Una casa editrice mi ha commissionato un lavoro per ogni stagione e mi ha chiesto di fare l’inverno. Per me è stato facile entrare in sintonia con questo tema perché l’avevo vissuto così tante volte. Quindi, in quel disco ci sono molte cose che riguardano Ålesund: per esempio, la ballata 418 (Stairs in Storms). È bello poter inserire alcune cose personali, se si mantengono liriche, aperte e poetiche.
PG: La copertina dell’album è abbastanza inquietante: ce ne puoi parlare?
HM: Kim Hiorthøy ha realizzato tutte le copertine per l’etichetta discografica; è un artista sperimentale con un gran cervello [ride]. Per The Tempest mi ha messo dietro un vetro, l’ha stabilizzato con dei mattoni e poi ci ha fatto cadere sopra dei diamanti di plastica per creare degli strati.
PG: Il tuo album successivo, Maternity Beat, era incentrato sulla maternità, ma anche sulla guerra: quanto è importante l’horror per te?
HM: Sono abbastanza brava a creare l’orrore dentro di me. Reagisco alla bruttezza che ci viene portata molto spesso da Internet. Non ho mai pensato a questo come a un orrore, ma forse è proprio questo: qualcosa di molto crudele e inquietante che ha bisogno di uscire da me.
PG: In quell’album ha usato la tua Gibson ES-335: componi anche con quella?
HM: Sì, quella chitarra mi ha accompagnato fin dall’inizio. Fino a poco tempo fa, usavo la chitarra solo per comporre. Quest’estate ho realizzato un nuovo lavoro su commissione per il Molde jazz festival e volevo usare di più il pianoforte, ma torno sempre alla chitarra.
Epiphone ES-335 Cherry
PG: Wikipedia ti descrive come “chitarrista, autore e cantante“; cosa ne pensi?
HM: Molto interessante. A volte canto, ma non sono una cantante. Molte persone hanno difficoltà a capire che si possa suonare la chitarra e non cantare. Credo però che questo dica molto di più su Wikipedia che su di me.
PG: Scrivi testi?
HM: Sì, scrivo testi da quando ho iniziato a suonare la chitarra, ma non ho mai avuto l’impulso di cantare io stessa e non l’ho mai usati molto nella mia musica. Ne uso alcuni in Maternity Beat, in Her Own Shape e in Little Lucid Demons. Per me la parola scritta è molto importante, anche se non è molto visibile nella mia musica.
L’intervista si chiude con una domanda di Planet Guitar sul commento di Mollestad secondo cui i tour sono “il motore della mia macchina musicale“. Mollestad risponde che ama viaggiare con l’obiettivo di un concerto come motivazione, ed è stimolata dal tempo extra che ha per concepire nuove idee musicali e dall’attenzione totale a offrire la sua migliore performance direttamente a chi la riceve. “Per me questa è la definizione di musica“, conclude, “non esiste se non la porti a qualcuno“.
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